Por Carolina Quintanar Leiva y Marc Calvete Llach:
Cristina García Rodero (1949):
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, comenzó su carrera docente en 1974 dando clase de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. En 1983 comenzó a impartir clases de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, actividad que realiza hasta 2007. Ha compatibilizado su tarea docente con la creación fotográfica y la colaboración en diversas publicaciones periódicas españolas y extranjeras. Sus primeras obras aparecen en los concursos universitarios a finales de los años sesenta. En 1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una beca. Posteriormente ha realizado reportajes sobre tradiciones en diferentes países.
Esta es una foto en blanco y negro hecha por Cristina García Rodero, en la que aparece un grupo de niños que tienen una especie de pintura blanca en la cara. Esta foto está hecha desde una angulación normal y es un primer plano de los niños aunque es bastante abierto, por lo que se ve a muchos niños en la foto. Por sus expresiones faciales, se nota que los niños están felices. Los niños tienen pelo corto y algunos están sonriendo con dientes y otros sin ellos. Ninguno de estos niños lleva ropa en la foto.
Esta foto creemos que tiene un significado de concienciación para ver como con una vida simple se puede conseguir una felicidad enorme como la que demuestran tener estos niños. La fotógrafa hizo una muy buena elección al momento de hacer la foto, por lo que esta foto en nuestra opinión es bonita.
Esta foto esta tomada en una angulación normal. Es un plano general de 2 personas debajo de una cascada; una a la derecha y otra a la izquierda. Una de ellas tiene una rama en la mano y la otra los brazos abiertos. En la foto podemos ver además otra rama al lado de la persona de la izquierda y muchas piedras repartidas más bien en la zoa izquierda de la foto.
Creemos que esta foto trata de transmitir la diversión de estas personas en este momento y como mediante la simplicidad de la naturaleza consiguen divertirse mucho.
Isabel Muñoz 1951:
Isabel Muñoz está afincada en Madrid. A los veinte años, se trasladó de Barcelona a Madrid y en 1979 decidió hacer de la fotografía su profesión matriculándose en la escuela Photocentro de Madrid. Sus fotógrafos de referencia fueron Ramón Mourelle y a Eduardo Momeñe.1
Empezó a recibir encargos poco después, para prensa y publicidad. Y también para el cine, de la mano de Tote Trenas, quien la introduce en el mundo de la fotografía para cine. En esa época realiza la fotofija de películas como Sal gorda y Penumbra.
Para proseguir con su proceso de aprendizaje, en 1982 se marchó a Nueva York. Su obsesión era encontrar un soporte idóneo para reproducir la piel, por lo continuó en Maine sus estudios con Craig Stevens, con Robert Steinberg y con Neil Silkirk. Regresó después a Nueva York para estudiar el gran formato en el International Center of Photography (ICP).
Esta foto es un primerísimo plano de un hombre con la cara pintada. Esta foto es una foto en blanco y negro. Este hombre tiene la cara seria y esta mirando fijamente a cámara. Creemos que debe tener la cara pintada con henna o algún producto similar. Tiene una letra M a la derecha y una S a la izquierda. Además, tiene diferentes dibujos (sin forma en su mayoría) que hacen a la foto una foto muy interesante.
Creemos que mediante esta foto busca la expresividad de esta persona y llevar su dia a dia a esta foto. Además, la fotógrafa ha elegido muy bien la estética de la foto y ha logrado una foto muy buena en nuestra opinión.
Esta foto tiene una angulación normal y es una foto en blanco y negro de un brazo. Este brazo está lleno de pulseras, que suponemos que serán pulseras con algún motivo en concreto. Además, el dedo índice está pegado al dedo pulgar y los demás dedos están totalmente estirados. El brazo parece tener tatuajes debajo de las pulseras, lo que hace que resalten.
Lo que la fotógrafa querrá enseñar es alguna especie de tradición de esas personas, como puede ser llevar esas pulseras. La fotografía creemos que está muy bien compuesta y nos gusta muchísimo la idea de esta foto.
Su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Amante de las motocicletas y de los retratos, sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido algunas de sus musas de inspiración.
Dentro de su notable gusto por el retrato, que él define como un enfrentamiento en el que suele colocarse frontamentalmente frente a su modelo, cara a cara fue uno de los protagonistas más destacados de la llamada Movida madrileña, habiendo dejado conocidas y poderosas imágenes sobre jóvenes de este movimiento cultural - algunos de los cuales se encuentran entre sus amigos - que posteriormente se han convertido en personalidades de prestigio en diferentes campos.
Esta foto es un gran plano general de una ciudad. En la parte de abajo de la foto, hay un perro sentado en una especie de plataforma de metal. El animal está mirando a la derecha. A su lado, podemos ver un poste de luz bastante grande que ocupa casi toda la foto. A lo lejos, de puede ver un puerto en el que hay unas grúas muy grandes que destacan bastante. Parece ser una ciudad bastante grande, porque la imagen esta tomada de lejos.
Esta foto nos transmite muchísima paz y nos encanta el detalle de que haya hecho una foto tan bonita y también el detalle de dar tanta amplitud y sensación de libertad mediante el perro.
En esta foto aparece una mujer con el pelo rapado, completamente desnuda de cintura hacia arriba. Tiene varios tatuajes y un cigarro en la mano; en la misma mano tiene una pulsera. No está mirando a la cámara. En el fondo parece tener un cuadro justo detrás de ella y a su izquierda tiene un sofá.
Esta foto creemos que tiene como objetivo enseñar el dolor que esta mujer está sintiendo. Creemos que tiene cáncer y que por eso el fotógrafo quería enseñar el dolor que esta mujer siente o el sufrimiento de esta mujer.
Ouka Leele 1957:
Fue una de los protagonistas principales de la Movida madrileña de comienzos de la década de 1980. De formación autodidacta, destacan sus características fotografías en blanco y negro pintadas a mano con acuarela. Mezcla las tradiciones españolas con un gran colorido típico de esta artista. Su obra se ha expuesto en ciudades como París, Londres, Tokio, São Paulo, Tel Aviv, Shanghái, Beijing, Roma, Buenos Aires, Colonia o Nueva York, entre otras. En 2005, le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. Su nombre artístico tiene su origen en una obra del pintor «El Hortelano», un mapa de estrellas inventado completamente por él, en el cual aparecía una estrella llamada «Ouka Leele». Bárbara quedó maravillada por esta palabra y decidió que quería firmar sus obras así.
Esta foto es un primer plano de un hombre. Este hombre tiene una camiseta blanca y unas jeringuillas en la cabeza. Esta foto esta tomada en un fondo muy colorido, en el que podemos ver que esta compuesto por un turquesa muy verdoso y un morado oscuro y claro según el lugar. También vemos colores naranjas y rosas en la parte derecha. En la izquierda, sin embargo, tenemos unos hombres que parecen estar sentados en un banco o charlando.
Esta foto nos transmite mucha felicidad, puesto que hay diferentes colores que nosotros asociamos con la felicidad. Nos parece un poco rara la idea de las jeringuillas en la cabeza, pero creemos que es original.
Es una imagen en horizontal a color, en ella podemos ver unos cuantos cuerpos derrumbados por las flechas y en el centro una gran fuente redonda, los colores son muy variados y con tonos bastante alegres
Yo creo que lo que quería transmitir en esta imagen era la lucha entre personas, como el liderazgo o la rivalidad entre las personas. era la lucha entre personas, como el liderazgo o la rivalidad entre las personas.
Chema Madoz 1958:
La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expuso la primera muestra individual del autor en el año 1984. En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inauguró su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos. Dos años después, en 1990, comenzó a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha. En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía mostró la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que llevará de manera itinerante por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición. Ese mismo año recibió el Premio Kodak. En 1993 recibió la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto.
En esta imagen en horizontal en blanco y negro podemos observar como los lapiceros hacen de cerillas y encienden una pequeña llama, el fondo es totalmente plano.
Yo creo que lo que Chema Madoz nos quería transmitir en esta imagen es la veracidad del tiempo, ya que todas las cosas se acaban consumiendo poco a poco hasta acabarse.
Es una foto en horizontal, en blanco y negro aunque el ojo que aparece, parece un dibujo, en ella podemos ver como el diamante esta en la misma dirección apuntando hacia el ojo.
Yo creo que en esta imagen lo que se quiere transmitir es el brillo que tenemos cada persona en la mirada y lo transparentes que podemos llegar a ser en el fondo.
Licenciado en Bellas Artes en 1984 por la Universidad Complutense de Madrid, su carrera artística se inició en la pintura con especial interés por la técnica de las escuelas italiana y flamenca de los siglos XV y XVIII. A partir de 1990, se centró en la fotografía arquitectónica.
El Premio Nacional de Fotografía le fue concedido por el Ministerio de Cultura de España en 2010, considerándole el jurado merecedor del galardón «por su trayectoria personal, procedente de las artes plásticas y cristalizada con rigor en el campo de la fotografía, por su singular interpretación del espacio arquitectónico y la luz, y por su aportación destacada a la renovación de las técnicas fotográficas».
Es una foto horizontal a color, aquí vemos la gran luz que entra por la ventana, también se encuentra el trípode centrado en el medio con una cámara.
La imagen trasmite libertad desde mi punto de vista, y al estar tan alto buenas vistas
Es una foto horizontal, en la que se muestra una ciudad muy transitada, tiene mucha vida por la cantidad de luces y la variedad de colores, tiene muchos edificios parece new york.
Parece una gran ciudad por la cantidad de edificios que se ven en la imagen, yo creo que inspira alegría ver ambiente, sitios abiertos.
Cristina de Middel 1975
Estudió fotoperiodismo graduándose en la Universidad Autónoma de Barcelona, Master en Fotografía en la Universidad de Oklahoma y Master en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia. En 2012 autopublicó Afronautas, un fotolibro sobre el breve programa espacial de Zambia en África del Sur. El libro se agotó rápidamente y fue muy aclamado por la crítica. Con este trabajo, De Middel fue nominada en 2013 para el premio de fotografía Deutsche Börse. También en 2013 recibió el premio Infinity del Centro Internacional de Fotografía (ICP).
En octubre de 2017 se le concedió el Premio Nacional de Fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura de España, que según el jurado del certamen los trabajos de la artista replantean “los límites de la realidad del lenguaje fotográfico”.
Es otra imagen en horizontal a color, se muestra el mar y a una persona en el centro observando las vistas se ve muy bien enfocado lo que es la persona y el suelo y un poco mas desenfocado la parte del fondo que en este caso es el mar, es un plano general.
Esta es otra imagen que por lo menos a nuestro parecer también muestra libertad el poder estar al aire libre viendo esas vistas .
Esta es una foto horizontal a color, de un plano medio en el que el fondo esta bastante desenfocado por un color azulado, se hace una especie de circulo donde aparece el personaje central con unas ramas en la boca y este no esta desenfocado, en la imagen también aparecen burbujas.
Esta nos da a entender a nosotros que el personaje no se puede expresar de la manera que quisiera, o algo no lo deja a habar y expresarse bien.
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